台湾の忘れ去られたディスコ時代と、ABBA、New Order、David Bowieのカバーで名を馳せた歌手たち。
台湾の若い世代がレトロなディスコレコードをほこりを払っている中、学者たちはこの島がどのようにして西洋の音楽ジャンルを受け入れ、それがマンドポップにどのような影響を与えたかを考えています。
1980年代のイギリスのバンド、New Orderによる「Blue Monday」は、一般的に史上最も売れたダンスシングルと考えられています。この曲は去年、40周年を迎えましたが、1983年3月のリリースから数ヶ月以内に、台湾の歌手フランキー・高によって「愛はグリーンオリーブのよう」というタイトルで無許可のマンダリン語バージョンが出されました。
高のバージョンは7分間のダンストラックを半分に切り詰め、チープな女性バックアップシンガーを加えました。歌詞はマンダリン語のラブバラードに書き換えられ、失敗した恋愛がグリーンオリーブのように苦い味を残すことを嘆いています。
それ以外にも、シンセループ、ドライブするドラムマシンのビート、全体のダンス性は、この曲を顕著な模倣作品にしています。
しかし、高はNew Orderだけをコピーしたわけではありません。
1980年のアルバムでは、「disco」という英語の言葉が表紙に輝く中、彼はバリー・マニロウの「Copacabana」、アニタ・ウォードの「Ring My Bell」、ロッド・スチュワートの「Da Ya Think I’m Sexy?」、ブロンディの「Call Me」、ボニーMの「Gotta Go Home」の中国語版を制作しました。
彼は多数の西洋のダンスフロアヒット曲をコピーしました。彼の最も長続きしている曲の一つで、今日でもマンドポップの大スターたちによって歌われている「Nao Ren De Qiu Feng」（「不安な秋風」）は、ABBAの「ギミー！ギミー！ギミー！」のマンダリン語による書き換えに過ぎません。
高の台湾ディスコトラックのほとんどは、長い間、ほこりをかぶったLPの溝や他の忘れ去られたアーカイブに眠っていましたが、彼の曲や70年代後半から80年代初頭の他の中国語ポップソングは最近、インディーヒップスターやBボーイ、学者、そしてレアグルーヴやシティーポップ、ヒップホップ、70年代のファンクとソウルまであらゆるジャンルを追求する他のハードコアな音楽マニアから関心を集めています。
彼らは現在、台湾の過去におけるこれまで未発見のダンスエイジの欠けていたリンクのように見えるマンダリン音楽のゆるやかなコレクションに集結しています。
これらの曲に初めて出会う多くの若い台湾人の反応は驚きです。
最近、台北の音楽雑誌YSO Lifeで「フランキー・高がNew OrderやDavid Bowieをカバー！？」という記事を書いた28歳の作家、Yuki Liuは、彼女の目には、高が最近「安っぽくて粗野」から「トレンディでクール、そして先駆的」に変わったと説明しています。
しかし、高のディスコトラックは数多く存在しますが、それらはマンダリン音楽の標準的なパズルにきれいにはまるものではありません。
なぜ自分自身の歌を歌わないのですか？私たち自身の歌を歌いましょう！
英語で歌われるポップへの代替案として、フォークシンガーの李雙澤が訴えています。
たとえ数年前まで、台湾に自分たちのディスコ時代があったとは想像されていませんでした。しかし、今、歌が発掘され、アップロードされ、プレイリストに追加されるにつれて、台湾の音楽マニアたちは疑問を持ち始めています。ディスコは、なんと台湾の戒厳令の時代の真っ只中に、文化的な環境としても存在していたのでしょうか？
残念ながら、当時の台湾の音楽業界の速さ、安さ、混沌とした性質のため、記録は断片的です。録音にはほとんどライナーノーツが含まれず、歌手の名前以外の音楽的なクレジットはまれにしか記載されませんでした。多くの歌手には伝記が存在しません。
そのため、ソーシャルメディアは突然多くの曲やビデオを私たちに提供しましたが、同時にそれらを置くべき歴史的な文脈をほとんど提供していません。しかし、ますます多くの人がこれらの質問を調べるにつれ、驚くべき答えを見つけています。
その中には、台湾のディスコが存在すること自体が、マンダリンポップの歴史を変える可能性があるというものがあります。
過去数十年にわたり、マンドポップの歴史については、1976年の一つの決定的な瞬間にそのルーツを辿る、ある程度公式の歴史が出現しました。
北台湾の淡江大学芸術科学学部での小さなコンサートで、フォークシンガーの李雙澤はコカ・コーラのボトルを手に持ち、「世界中の若者がコカ・コーラを飲み、英語の歌を歌っている」と述べました。
彼はその後、ボトルを叩き割り、同僚の歌手たちに「なぜ自分の歌を歌わないのか？私たち自身の歌を歌いましょう！」と訴えました。
李の「自分たちの歌を歌う」という呼びかけは、70年代後半から80年代初頭にかけて台湾を席巻した「キャンパスフォークムーブメント」の基石となり、シンガポールや香港の中国語フォークムーブメントにも影響を与えました。
これはまた、80年代のマンドポップスターの第一世代、例えば李宗盛、羅大佑、潘越雲を押し上げたオリジナルソングライティングの基礎を築き、後のアイドルたち、例えば張惠妹、周杰倫、蔡依林の道を開きました。90年代には、この蓄積するスターパワーの強さにより、台湾は香港を超えて世界最大の中国音楽プロデューサーになりました。今では10億人以上のファンを持ち、台湾製マンドポップは地球上で最も大きな音楽産業の一つに発展しました。
しかし、この物語には高のディスコカバーや、80年代半ばまで台湾で行われた信じられないほどの音楽コピーの量についてはほとんど触れられていません。
もし1980年に台湾を訪れたならば、そこは西洋音楽で溢れていました。70年代、台湾はアジアのトップミュージックパイレーツとしての地位を確立し、月に35万枚の海賊版のビニールレコードをプレスしました。これには西洋音楽カタログの広大な範囲が含まれており、ほとんどが国内消費用でした。
台北のナイトクラブでは、ライブバンドがそのレパートリーをほぼ完全に当時のビルボードトップ40ヒットで埋め尽くしていました。
最近、いくつかの台湾の学者は、かつて地元で「熱い音楽」として知られていた西洋ポップの影響を、もはや否定できないと言い始めています。
彼らによると、これはエルヴィスをロックンロールの王として称えることと同じで、彼がゴスペルやブルースの影響を受けたことを決して認めないようなものです。これは高のような人物をさらに興味深いものにします。
高は1950年に、高雄の中国国民党軍事村で葛元成として生まれました。大学でロックバンドで演奏している間、彼は1974年に彼のためにマイナーヒットを書いて彼のキャリアをスタートさせた中国本土出身のソングライター、琼瑶の耳に留まりました。
その曲は映画のサウンドトラックの一部であり、彼はその映画のヒーローの名前を新しいステージネームとして取りました – フランキー・高、中国語では高凌風です。
30歳になる頃には、高は台湾のバリー・マニロウのような存在として確立していました。輝かしいショーマンでありコメディアンで、テレビカメラの前の華やかなステージセット、スリンキーなショーダンサーに囲まれた場所で最も生き生きとしていました。
ハートスロブとも黄金の声を持っているとも考えられていなかった高は、セレブリティの道化師の役割を演じ、「カエルの王子」というニックネームを付けられました。80年代半ばには、彼はテレサ・テンや欧陽菲菲をも上回る高額のギャラを自慢できるほど、台湾で最も給料の高い歌手でした。
当時の基準では、高はかなり図々しいプレイボーイでもあり、怪しげな面も持っていました。彼は違法な賭場で巨額のお金を失い、それを公に自慢していましたが、1984年にはナイトクラブのパフォーマンスに隠し持ったリボルバーを持っていたとして3か月の刑を服しました。
台湾では個人の銃火器は違法であり、今でもそうですが、高は後にナイトクラブにはギャングがうろついていて、「自分の身の安全を恐れた」と行動を説明しました。
高の名声は主にテレビのバラエティショーとナイトクラブでのパフォーマンスに由来していますが、彼は少なくとも27枚のスタジオアルバムを録音しており、これらの曲の音楽は常に西洋のオリジナルに似ていましたが、中国語の歌詞は新たな意味を持っていました。
ディスコの性的解放のテーマは、中国語バージョンでは台湾政府の検閲を通過する必要があるため、掃除されました。例えば、多くの人が男性にオーガズムをもたらすよう誘う隠語だと信じていたウォードの「Ring My Bell」は、高のバージョンでは無害な「学校のベルの鳴り響き」に変更されています。
「高が加えたひねりは、歌詞を中国語に翻訳し、それによって全く新しい観客に到達したことです」と、90年代から高のコンサートのプロモーションに関わった音楽プロデューサー、韓憲光は言います。
「中央台湾で彼をテレビで見た人々は、オリジナルの歌手が誰であるか、またはその曲がコピーされたものであることさえ知らないでいました。多くの台湾人にとって、フランキー・高のバージョンがオリジナルでした」。
高だけが西洋ポップをアダプトしていたわけではありません。テレサ・テンは1984年の台湾コンサートでマイケル・ジャクソンの「Beat It」を演奏し、カントポップのディーバたちや天王たち—アニタ・ムイ、イェー・チェンヴェン、サンディ・ラム、劉德華を含む—も彼らのレコーディングのためにビルボードトップ40から自由に盗みました。
台湾のミュージシャンはこれらの曲を英語の用語「コピーソング」として参照していましたが、一般の人々はそれらを「口水歌」として知っていました。これは唾液が安価であり、本物の話や本物の歌の実体を欠いていることを暗示しています。
この種のコピーが可能だったのは、「著作権がなく、国際的な出版が台湾にまだ入ってこなかったからです。私たちはいかなるロイヤルティも支払っていませんでした」と韓は言います。
台湾は80年代半ばから、アメリカからの特別301経済制裁の脅威と、自社の利益が食いつぶされていると感じた台湾国内の音楽産業からの新たな推進によって、音楽著作権の施行を始めました。
島の最も目立つ反海賊行為キャンペーンは1985年後半に開始され、「明日はもっと良くなる」というアンセムの背後で展開されました。これは、台湾のトップ60のポップスターによって歌われ、皮肉にも、「We Are the World」の露骨な模倣でした。
「中国人にとって、音楽は文学として扱われます。なぜある歌が好きかを誰かに尋ねると、彼らはそれが歌詞だと言います」と謝奇彬は言います。「私たちの文化では、歌詞に大きな重点が置かれますが、リフやイントロ、フックには決して重点が置かれません。このため、恋愛バラードだけが真剣に受け止められる音楽と考えられていました」。
これが「高の曲が長続きしなかった」理由の一つです、と韓は付け加えます。
80年代が終わるにつれて、はかないトレンドであるディスコに自身を結びつけた高は、その名声が急速に薄れ、テレビ局との紛争や連続する失敗したナイトクラブへの投資に巻き込まれました。
「カエルの王子」はその後の数十年間にテレビに登場し続けましたが、2012年に白血病と診断され、2年後に亡くなりました。彼は63歳でした。
台湾のディスコ時代の再発見は、コロナウイルスが襲来する少し前の年に、突然始まりました。
「台湾に本当にディスコ時代はあったのか？」といったタイトルで学術討論が組織され、YouTubeのビデオには「中国ファンクポップ」や「シンセディスコ」（特に2019年に作成された「Ultradiskopanorama」というチャンネルで顕著）といったタイトルで70年代のオブスキュアな録音が登場し始め、2020年には「台湾ディスコ：70年代から80年代初頭の台湾のディスコディーバ、ファンキークイーン、グラムレディ」のタイトルの下でホットセリングのビニールコンピレーションが登場しました。
台湾のラッパーであるフェルナンド・リン・ハオリは、現在台湾のディスコを研究しているわずかな学者の一人であり、彼は2003年に彼のヒップホップグループが持った集団のひらめきの瞬間を思い出します。
彼らはちょうど、ベトナム戦争時代に東アジアの国、韓国の米軍基地で演奏した地元バンドによって制作されたほとんどの70年代の韓国ファンクとソウルのミックステープを、韓国のDJ Soulscapeによって遭遇しました。
昨年発表された記事で、リンは「私たちは自分自身に尋ね始めました。台湾にも1970年代や1980年代にこの種の作品があったのでしょうか？結局のところ、ヒップホップはディスコ、ファンク、ソウルと密接な先祖関係があります」
「もしかすると、台湾のヒップホップにも、まだ慎重に探究されていない音楽的な先駆者があるのかもしれません。モータウンに比較できるものが私たちの過去にありましたか？ブラックミュージックのサウンドに？私たち自身のディスコ時代があったのでしょうか？」と書いています。
2021年、リンは台湾の国家科学技術会議から、島の音楽的過去を研究するための助成金を受け取りました。これまでに、彼はファンク、ソウル、またはディスコのビートを持つ200曲以上のマンダリンポップソングを収集し、60年代にさかのぼるミュージシャンやプロデューサーにインタビューを行ないました。
彼はまた、違法な地下ディスコから始まる台湾のディスコ文化の出現を記録し始めています。これらは80年代初頭に人気となり、ビジネスライセンスは時に「ダンススクール」として登録されました – そして1986年に台北のマグノリアホテルでオープンした台湾初の合法ディスコ、Kiss La Boccaへと続きます。これは2000人収容可能な会場でした。
リンが発見したのは、台湾のディスコがさまざまな意味で実際に存在していたが、一連の乖離によって特徴づけられていたことでした。
レコードにリリースされた「口水歌」はラジオヒットにはならず、代わりに主に夜市で大音量で流され、カセットテープや時折レコードで安価に販売されました。
さらに彼は言います、「台湾の自己制作ディスコソング」—例えば高の曲—は「実際のディスコテークでかかることはなく」、西洋ポップのみが流れ、主に都市部の新富の若者たちを引き寄せました。
同時に、台湾は西洋のディスコレコードであふれていました：ビージーズ、ABBA、『サタデー・ナイト・フィーバー』のサウンドトラック、ドナ・サマーがすべて、安価な海賊版のレコードやカセットテープを通じて広く普及しました。
しかし再び、違法なディスコと海賊版レコードで都市部の人々に消費された本物の西洋ディスコと、高のような人物がテレビ局やラジオで提示した適応されたローカライズされたバージョンの間には大きな隔たりがありました。「これは私たちのポップ音楽の歴史から完全に省略されています」とリンは言います。
「10秒の素晴らしい瞬間の後、ボーカルが入って雰囲気が消え去ります。突然、それはただの古い時代の中国のポップソングのように聞こえます」とフェルナンド・リン・ハオリは80年代の台湾ポップ音楽トラックの乖離について語ります。
「これには文化的な理由があります」と、この記者がこれまでに出会った最大の音楽マニアの一人である音楽学者の謝は説明します。趣味でベルギーのブリュッセル王立音楽院で6年間ジャズ・ヴァイオリンを学んだ50歳の彼は、他の曲から派生した曲がどのようなものであるかを示すために楽譜を描き、ビート、ベースライン、キー、拍子記号、コード進行をマッピングしています。
現在、彼はポップ音楽の影響についての10部からなる講義シリーズを提供しており、そのうち2回の完全な講義を、2018年頃に再浮上し、現在世界中のミレニアル世代に崇拝されている、初期80年代のライトでシンセ駆動の日本ポップ、シティポップに捧げています。
「若者たちはそれが本当に新鮮だと思っていますが、実際にはアメリカのポップR&Bの研究です」と謝は言います。これを証明するために、彼はシティポップの広範な借用を特定するために123曲のYouTubeプレイリストをキュレーションし、ジャンルを定義するトラック、竹内まりやの「プラスティック・ラブ」（1984）から始め、ビル・ウィザースの「ラブリー・デイ」（1977）から直接ベースラインを借りたと主張しています。
「あなたの顔を叩きたいわけではありません」と彼は言いますが、「音楽の背後にある影響について若者たちに伝えたいのです。これは非常に、非常に重要です」。
台湾では、「若い世代はシティポップから辿って—これが後退しているのか横に進んでいるのかわかりませんが—台湾のディスコ時代をたどりました」と謝は言います。「基本的に、彼らは台湾のポップ音楽の歴史に何か似たものが埋もれているのではないかと疑問に思いました。だから彼らは探し始めました」。
彼らが発見した音楽は、リンが説明するように、多くの乖離に満ちていました。
リンが特定した数百曲の中で、「完全に踊れるトラックを見つけるのは難しいです。素晴らしいファンクのイントロを持つ曲をよく見つけますが、それはカーティス・メイフィールドやアイザック・ヘイズからの何かのように聞こえるかもしれませんが、10秒の素晴らしい時間の後にボーカルが入り、雰囲気が消え去ります。突然、それはただの古い時代の中国のポップソングのように聞こえます」と言います。
謝も同意します。「メインストリームの中国音楽について話しているのであれば、ディスコとファンクは常に密輸されただけでした。多分ミュージシャンはそれらのジャンルに触れて演奏したいと思っていたかもしれませんが、レコード会社はそれに対して準備ができていませんでした。ですから、断片的なものしか得られません」
「さらに、レコーディングスタジオでは、ベース、ドラム、リズムセクションを抑える傾向がありました。彼らの全ての焦点は歌詞、ボーカル、メロディにありました」。
このシナリオの中で、ディスコのすべて、特にベースラインや四つ打ちビートを全面的に受け入れた高は、彼の世代のほぼすべての他のアーティストと一線を画しています。しかし、レコーディングスタジオでの高のプロセスはどのようなものだったのでしょうか？
高のレコードのうち、音楽クレジットが記載されているのは1枚だけで、それがたまたま「Blue Monday」のカバーが収録されているレコードでした。
そのアルバムに記載されているミュージシャンのリストを見せられた謝は、一時停止した後に「ああ、彼を知っています」と発表します。彼はドラマーのリッチ・ファンの名前を指さします。「私は一度スタジオで彼に会いました。彼に電話してみましょう」。
ファン・ジュイフォンに会う前に、彼は台湾の「ドラムの王様」として、74歳になっても複数のライフタイムアチーブメントアワードを受賞し、ポップの単純な情熱から高尚で離れた音楽の聖地である台湾国立コンサートホールで特別プログラムによって崇められるようになった、という評判に先行されています。
しかし、ポップ音楽はファンのキャリアの一部であり、彼のディスコグラフィーはあまりに膨大で、適切に計算されることはないかもしれません。彼自身でコンパイルしたウェブサイトは、切手を集めたり家系図を作ったりするように、彼が録音したほぼすべての有名な台湾の歌手から70年代から90年代にかけての、ほぼ300の歌手やグループをリストアップしています。
これにはテレサ・テン、台湾の最初のロックスター羅大佑、ディスコの女王欧陽菲菲、台湾の戒厳令時代のゴーゴーディーバ姚蘇蓉、香港の「カントポップの王」張国栄と「歌の神」張学友、そして1990年代のマンドポップアイドル李玟と王力宏が含まれます。
ファンの娘とインタビューを設定している間、彼女は何気なく彼の録音が「10,000以上」または時には「数万」という合計になると言及しました。最初はこれを比喩的な表現と見なしました – 中国語では「10,000」は一般的に大きな数を指すためです、例えば「万歳を生きる」のように。
しかし、この数字はファンと彼の娘の両方によって何度も繰り返されたため、後に本当に正確なのかと疑問に思い始めました。仮にファンが週5日働き、1日に10曲を録音したとします。この理論的でありながらもばかげたほど多作なペースでは、ファンは4年間で10,000曲を録音することが可能でした。ファンにインタビューした後、これらの数字が現実的に聞こえ始めました。
「もし私たちが午後1時にスタジオに入ってアルバムを録音するなら、夕食の時間には終わっていました」とファンは思い出します。「1日に最大3枚のアルバムを録音することができました。リハーサルはありませんでした。アレンジメントはスタジオに着いたときに手に入れました。時には入ってきたときにアレンジャーがまだ楽譜を書いていることもありました」。
夜のクラブで要求に応じて何千もの曲のレパートリーを演奏する訓練を受けた他のスタジオミュージシャンと同様に、これが可能だったのはおそらくそのためです。
高雄出身のファンは中学を中退し、14歳で台北のダンスホールの一つで「バンドボーイ」として飲み物を運び楽器を運ぶ仕事を始めました。それらはビッグバンドであり、ダンスホールは1930年代の上海のクラブに似た、古風なタクシーダンスの場所でした。裕福なビジネスマンが若いホステスと踊るために支払いました。
17歳で、ファンはついにディナージャケットと蝶ネクタイを着てドラムキットの後ろに座ることを許されました。バンドのレパートリーは、リズムごとに色分けされた複数の電話帳サイズのバインダーに収められていました：ブルース、チャチャ、ルンバ、スウィング。
彼はナイトクラブのステージでその腕を磨き、時には別のリズムを演奏すべきときにポルカを演奏することもありました。しかし、客が「なぜあそこに子供をドラムを叩かせてるんだ？」と不平を言ったとき、彼は頭を下げていました。
それから間もなく、彼は台湾のレコーディング業界の巨人となるバンドリーダー、トニー・オンに発見されました。オンは現在、「ホーンセクションの楽譜を書ける唯一の人」として認識されています。
オンは70年代と80年代に多作なレコードプロデューサーであり、リンのような学者たちは現在、モータウンとアメリカのソウルおよびファンクのサウンドを台湾のポップに導入した先駆者として彼を認識し始めています。
1968年または1969年に、オンはファンを台中市近くのアメリカ軍の清泉崗（CCK）空軍基地のハウスバンドに加わるように招待しました。ベトナム戦争の最中に、この基地は約5,000人のアメリカ軍人を収容し、主に支援施設である一方で、北ベトナムとカンボジアへのB52爆撃機の戦闘任務も発進しました。
「台湾の人々にこの曲を演奏すると、多くの人がそれが西洋音楽だとは思わない。彼らはそれが人形劇からのものだと思います」と謝奇彬は言います。
ファンは今では笑っていますが、彼は英語が話せなかったと言います – 「何も理解できなかった！」 – しかし、CCKは彼に西洋ポップについての最初の教育を提供しました。彼は空軍基地のジュークボックスで何度も何度も曲を聞きながら、最新ヒットの楽譜を取って入念に学びました。
基地には3つのクラブがありました – オフィサーズクラブ、NCOクラブ、そしてエアマンズクラブ – そして軍隊の階級の中でのように、バンドは階層制でした。最も優れたフィリピンのバンドが将校のために演奏し、ファンのグループは空軍兵のために演奏しました。
ファンのグループの3人の歌手の一人は、当時たった17歳だったジュリー・スー、または蘇慧倫で、彼女は80年代に台湾の最初のロックスターの一人になるでしょう。
ハウスバンドで演奏する一つの特典は、ファンが訪問する米国のエンターテイナーを最前列で観ることができたことでした。プラターズ、シュープリームス、グラディス・ナイト、ブレンダ・リー、ロイ・オービソン、ルー・ロウルズ、ゲーリー・ルイス＆ザ・プレイボーイズ、そしてボブ・ホープのコメディトループが全て、アジアの米軍基地をツアーして台湾を訪れ、騒がしいアメリカのGIたちのために演奏しました。
しかし、ファンに最も大きな印象を残したバンドは、ベンチャーズでした。これはアメリカの典型的なサーフギターグループであり、『ハワイファイブオー』の象徴的なテーマソングを担当していました。
「私たちは彼らのオープニングを務め、その後ステージの脇で彼らが演奏するのを見ることができました」とファンは回想します。「本当に印象的だったのは、彼らがソロを持っていたけれども即興演奏はなく、すべてが完璧に定位置にあったことです」。
ベンチャーズのインストゥルメンタル・ギター曲は、台湾全土で迅速かつ広く採用されました。伝統的な人形劇では、ベンチャーズのサーフロックチューン「Pipeline」を追跡シーンで使用し、他のより伝統的な音楽と混ぜ合わせたカセットサウンドトラックに取り入れました。
「この曲を台湾の人々に演奏すると、多くの人がそれが西洋音楽だとは思わない」と謝は言います。「彼らはそれが人形劇からのものだと思います」。
ファンはまた、「当時はまだ隔離がありました。白人の兵士のためにはカントリーミュージックを演奏しました。そして、ソウルナイトに黒人の兵士が入ってくると、ソウルを演奏しました。黒人の兵士のために演奏するとき、音楽をスウィングさせるためには、常に正確にビートで演奏するわけではありません。それを変える必要があります」と覚えています。
5年を経て1974年へ。ファンは24歳で、初めてレコーディングスタジオに入り、大音量の声を持つ歌手、チェン・ランリとレコードをカットします。彼女は愛の歌に満ちたレコードに、腰を振るリズム、ゴーゴービート、ソウルのシンコペーションを滑り込ませることに挑んだ歌姫でした。
台湾のレコーディング業界は、ファンが現在主張するように、「ファンクを演奏できる唯一のドラマーだった」ということを発見しようとしていました。
ファンに高の「Blue Monday」バージョンの録音について尋ねると、彼は席にもたれかかり、一瞬思考にふけります。「実は、昨夜、私は友人にメッセージを送らなければなりませんでした。彼は歴史家で、これらのことを知っています。そのアルバムで演奏したかどうかを尋ねるためにね。
「正直に言うと、それについては何も覚えていませんでした。録音が多すぎました。でも彼は、「はい、あなたはそのアルバムにいました」と言ってくれました。だから、私はそうだったのでしょう」。
彼の記憶を呼び起こすために、我々はそのレコードからのトラックを再生し始めます。デビッド・ボウイの「Let’s Dance」と「China Girl」の高のバージョンからです。
音楽が流れると、ファンはビートに合わせて膝で手をたたき始めます。
「はい、それは私です」と彼は言います。
しかし、私たちが高の「Blue Monday」のカバーにたどり着くと、彼は私に疑問を投げかけるような表情をします。
30秒ほど経過した時点で、彼は「このトラックにはドラムがない。これはドラムマシンだけだ」と宣言します。
ファンはその後、レコードのジャケットを見せてほしいと頼みます。クレジットをスキャンした後、彼はダニー・チョン、香港のキーボードプレイヤーであり、アルバムのすべての曲のアレンジもクレジットされている人物を特定します。
「ダニーがやったんだ」とファンは言います。「この全曲はダニーだけだろう。ドラムマシンも、全て。私はまったく楽器を聞くことができない」。
録音する曲を選んだ人が誰かについて何か考えがあるか尋ねられると、ファンは首を振ります。
「カバーソングは時には歌手によって、時にはレコード会社によって選ばれることがありました」と彼は言います。「しかし、高は大スターだったので、彼自身で曲を選ぶことができたでしょう」
「正直に言って、私はただのドラマーでした。楽譜を私に渡された時には、その決定は既になされていました」。
高のコンサートプロモーターである韓は、歌手が自身のレパートリーの多くを自分で選んだことを確認しています。そして、高は曲を録音したいからだけでなく、それらがナイトクラブやテレビでのエキサイティングなステージアクトになると信じていたから曲を選びました。
高が最初に「Blue Monday」をどのように聞いたのか、なぜそれを録音することを選んだのかについて、韓は直接の知識を持っていません。しかし、彼が確信していることが一つありました：「それはNew Orderとは何の関係もなかった」。
「台湾にNew Orderを知っている人はいませんでした」と韓は言います。「しかし、彼らの曲がビルボードチャートに載っていました。そして、彼らの曲がビルボードチャートに載っていたからこそ、フランキー高はそれを演奏したのです」。
